NEWSBOY

Dragon Romanesque / Oil on canvas 2012 53.0 x 33.4cm

ドラゴン・ロマネスク　昨年描いた油彩。ドラゴン退治伝説、聖ゲオルギオスをベースに馬で闘う彼と、竜の生け贄に差し出される王女と、このドラゴンの3点シリーズのうちの1点。ずいぶんとアカデミックな題材に手を染めているねと言われそうです。油彩画と言うものは、画面展開や絵肌のこってり感においてやっぱり欧州のモノだと思うのです。なので西洋的なシーンを使った表現をしたいときにボクは油彩画を選択します。よく日本の◯◯会の先生が油彩で日本の裸婦なんかを描かれてるのを見ると鳥肌実になっちゃうんですよね。

逆に日本的な森羅万象を油彩表現しようとしても同じく無理だと思うんです。なので数年前からその手の表現においては水墨を始めてるわけです。ボクはどちらの表現も研鑽を積んでいきたいと思ってはいますが、よくある精進し極めたい、などとは言いたくないのです。だってそんな「かたくな」になってどうするの？と思うから。おもしろいものを作りたい、人を驚かしたいと思って表現をしています。そんなおもしろいものに辿り着くための技術が油彩であり水墨であり、はたまた小さな伊勢を宿したクッキーだったりだってするのです。いくら精進しても、それが狭い了見ならば重箱の隅をつつく行為です。多いです、日本人作家にそういう人。達人の道極めるより、芸術などという外道な道を突き進むならば、猿（村上隆曰く）に徹するべきです。猿回しの猿のことです。ボクも芸術なんてそんな猿の芸当と同じだと思っています。しかし一言にそう言っても、それぞれのスタイルでそれをやりたいですね、ボクの中でのそんな猿のチャンピオンはマルセル・デュシャンです。ウオーホールもおもしろい猿ですが。

もとい、今日は何を言いたかったか。日本でよく言われる「洋画家」ってレッテルが時代遅れだなっていうことを言いたかったのです。

そして最後にもうひとつ、絵にはその絵の納まりどころがあります。先に書いたボクの油彩画としての「指定席」みたいな。つまり絵を描くということは自分の絵にあった「空席」を探すことに似ています。これは指定席で無く、特急の自由席のようなものかな？先に書いた「指定席」なんか用意される訳じゃないから「空席」探しですね。

これって絵だけに止まらずで、仕事でも店の営業でも何にでも当て嵌まりますね。満席には仕事をするための空席は無い、空席は多くあれども市場としても空席だ。でも思うんですよね、今までに無いもの今までに無かったものになるためには自分で「空席」のその周りから創造してく意識をもって取り組むことでそこに自身の「空席」を作る。んーん、解りにくいですよね。またもう少し内容をまとめ、例も交え書き記すことにしたいと思います。

雨降りな一日もたまにはいいです、ブレードランナーのサントラでも流しながら今日も一日がんばりたいと思います。では、いい一日を。

Aporia　watercolor on paper _2010 （23x30.5cm）

僕は回りから画家と見られることが多い、僕のキャリアの始まりが絵画だったからしようがない。世間と言うものは職業をきっちりと分類分けしたがるから、僕の場合は周りに対して「ねじれ構造」を生んでるのかもしれない。なので慌ただしくなってきたこの師走に、ここのところを改めて皆さんにも解りやすくまとめてみようと思う「アートって何だろう？」の特別編「僕って何だろう？」だ。

結論から記す。僕は興味があっておもしろいと思うものを表現しカタチにしたいために絵画（油彩、水彩、ドローイング、銅版画、水墨画など）を使う場合が多いということだ。絵画のスキルは今も続けながら磨いているつもりだが、これだけに打ち込み精進し求道し極めるという所謂日本の芸術家先生とは違う者になりたいのだ。

画家に執着して僕のことを見つめてる人々とお話しすると、どうにも息苦しさを感じてしまうのが正直なところだ。彼ら自身は僕を彼らの範疇（求道者＝芸術家）に押さえる事で自分との距離を埋めたがってるのだろうが、僕自身は興味の赴くままにやっていたいのだ。僕は何だかそういう古来の芸術家から降りていたいし、別の道を新たに切り開いてでも歩んで行きたいのだ。気取って言ってしまえば「名人危うきに遊ぶ」名人じゃないが（笑）つまり、普通の人からはおかしく映る事が実はツボを心得た仕業である……なんて意だ。昔から一線から身を引きながらも正しくおもしろい事をやってる表現者に憧れる、何度も書いてるがマルセル・デュシャンを筆頭にね。

なので、サトナカだって伊勢うどんだってそんな中から生まれた僕の興味やおもしろさの対象だ。ネオ・ウメダも同じくなんだが、あそこまでいくとホント解らない人多いんだ。あれは僕が向き合ってみたかった興味深い教材だったのです。

そんな自分だが今もいろんな興味の対象と向き合ってる、おもしろいところでは鮨屋がある。友人Kくんの鮨屋開店に協力しているのだ。物件探しを始めたのが6月だったから半年経ったが、やっとこれだという物件に辿り着き、大家から内定が出たのが先週のこと。これから本契約、内装にと進んでいく。鮨屋は飲食店である訳だがそこで止まらず「日本の優れた文化装置を伊勢に作る」をスローガンにKくんと取り組んできたから、予想以上いや予想どうり店舗決定には時間を要した。駅前によくあるテナント募集の物件にこころ動かされるものが無かったために、テナント物件でないものをこじ開け大家さんに無理を頼んだ。それはKくんとふたりで僕たちだけが辿り着き、彼の店だけれど僕たちでしか作れない装置である鮨屋という劇場に仕上げるための、それしか無い手順だったと今は思っている。しかしそれもまだまだスタート地点に立っただけで、これから現場の創造だからして今後も気を抜けないのだ。

僕の中では絵を描くことと、今現在こうして素敵な鮨屋のイメージをアタマで作るということは同じことなのだ。しかしそんな僕のアタマの中のイメージをKくんに言葉で伝えようとするには無理が生じる。彼自身も当然アタマでイメージするからお互いにくい違いが生じる。絵に描いたり、設計図にできる前の段階だから意志やイメージの疎通に骨が折れ、酒の勢いも手伝って喧嘩まがいの議論になったりするから困ったもので、オレの馬鹿である。しかしモノを作ってる時は、絵を描いてるような集中力で同じく取り組んでる訳だから熱っぽいし、こういう摩擦を避けては通れない。浮かび上がった問題を放置し眼をつぶる事はしない。正面からそれと取っ組み合う。ぶつかって伝え方に不備があった事を反省し、前回より具体的に資料などを用意して改めて伝える努力をする。そうして積み重ねていくより方法が無い、モノというものはアタマの中ではイメージで、カタチになって始めて出来上がるのだから口や言葉ではイメージしか伝わらないし、そのイメージだって受け手によって全然違ってくるものだ。伝える努力をすることで最善に近づけるしか方法を知らない。よく安藤忠雄さんの本を読んでるとホントにこの人は建築家というより格闘家だと思わされるが、こういう建築的創造には付きまとい立ちはだかる障害なのだと痛感させられる。まあKくん共々僕たちみたいな不出来な二人が、何とか精一杯力を振り絞って出来る限りいいものを作り出そうとしてやってるわけだから少々の無理が生じるのはしようがないし自然なのだろう。

絵画制作は独りの作業だからいいとして、デザイン制作の作業は相手や相棒がいるから必ず摩擦による葛藤が付き物だ。ここを「はいはいそのように取りはからいます」とクライアントの意志にだけ任せるだけでは結果いいものは生まれない。ここが正念場なのだ。そして絵画制作は自己の中を振り子のように行ったり来たりする瞑想的な作業、デザイン制作やクリエイティブという事は相手や対象を前に自己セラピーであったりリハビリテーションめいたものを孕んでいるのである。そしてそんな仕事の中で自分が変わらなければならないといけない局面は多くの事を教えてくれたりするのである。デザインの作業は人に教える事と言っても過言じゃない、それと同時に自分が学ぶ事でもあるわけだ。そしてそれらが整い第3者お客さんとなる人々まで巻込み、彼らに僕たちのやる事の方向や意志が素敵に届いた時に今回の鮨屋という劇場の成功を見るのだろう。

最後に僕は安藤さんのような格闘家を愛す、何故なら闘いの後は傷つく、その傷を癒す事で前進する。それがモノを創る人間が背負わなければならないリスクだからだ、文句だけ言うのは簡単だ。それは匿名的で背負うリスクも無い。リスクを厭う人間におもしろいモノなど作れるはずが無い。つまらないものはつまらないと言いたい、それが言えない世の中は結果人と人が不自然に譲り合い敬遠し摩擦を避けて一見成立してるような環境を生むだけのことだ。仕事として頼まれた事を体裁良くこなすことと、やれるところまでやってアタマひとつ抜け出たモノを生み出すか？ふたつとも同じく仕事なんだけれど、これらの選択の場面を強いられたりするし、モノを作る人間としては重要な局面だ。結局赤点を恐れずベストだと思う自分の選択をすることが創造であることを僕は信じて疑わない。

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Aporia
哲学において、アポリアは哲学的難題または問題の中の一見解明できそうにない行き詰まりのことで、もっともらしいが実は矛盾している前提の結果として生じることが多い。さらにアポリアは、そうした難題・行き詰まりに困惑させられた、つまり途方に暮れた状態のこともいう。（Wikipediaより）

上の絵について、タイトルは「アポリア」上記文章との脈略は無し、というより極端に逆。文章では「やる気」を書き、絵では「難題・行き詰まり」を描いていてこんなタイトルを付けてみた。

人間、素直にものごとを捉える事は大事だし基本だ。しかし僕は表現をしなければならない立場の人間だ、それはひとつのものごとの長所も短所も見つめた上で自分はこう思うという事をカタチや仕事にするのが表現だ。時には喜びや賛美の側だけでなくて、それは悲しみや辛いこともにも眼を向け提示しなければすまない場面もある。この絵を直接に説明するものでは無いけれど、皆さんにも考えてみて欲しい事なのでここに記す。今みんなが考えなければならない、大切な日本の事だから。

そして最近、ダイナミックレンジ（音響信号の最強音と最弱音）な仕事をしないといけないなと強く思うのだ。


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そして、ここからもう一度話しを切り替えることにする。

この土曜は Christmas Party をEPSで行ないます、ここは大いに楽しくやりたいと思います。500円くらいのギフトを持って来てくれた方は交換会に参加してもらえます。そして、ぜひお洒落もしてきてください。そしてそしてそんなゲストの方のお一人に下の絵（原画）をプレゼントしちゃおうと思います。選考は僕の独断でお願いします、ヨロシクね。

http://www.emelon.net/eps/index.html

僕の構想

今僕が制作してるモノは、油彩、水彩、インクによるドローイング、銅版画に水墨画などです。それプラス、デザイングッズやプロダクトまでも僕の製品と言えるかもしれません。あまり芸術だ、作品だと至上主義になるのは好みませんが。アートは個人制作で、伊勢関連のデザインモノは誰かや何処かと共同制作されしものなのですが、両方とも社会や皆さんに共有されなければ用の無いモノになってしまいます。デザインも出来る画家、絵画も手がけるデザイナー・クリエィティブディレクターというのを僕の個性にしてしまおうと昨今思っています。今の時代、芸術に嵌まり込んで絵画に職人面して没頭してる作家には馴染めず、振り幅を大きく持って時代と取っ組み合ってる方が性にあっているのです。

そしてそんな僕の仕事を「タイポロジー・類型学」で見てもらおうという構想を持っています。「タイポロジー・類型学」こんなふうに言うと難しそうですが、要は簡単です。仕事を分類して、媒体の違いだけで括らず、その主題によって作品群に分けて提示して見てもらおうということです。例えば従来の古い展覧会ならば「タケシ展」「タケシ水彩画展」「タケシ銅版画展」なんてことになりますが、例えば「タケシ自画像展」「タケシの博物誌展」「タケシ風変わりな風景展」などこのような括りの作品群の中に、現代美術の五つのコンテクスト・文脈　�@　自画像　�A　エロス　�B　死　�C　歴史　�D　時事　を、擦り込んで行こうと思うのです。「タケシ自画像展」なんて例えばの演目のお題で、ひとつの課題に取り組んだ幾つかの作品をシリーズで見せるということです。一回きりじゃなくて、数年間に渡って様々な課題の仕事が並行してる僕の仕事を、おもしろく展開出来ればいいなと思うのです。その時は、鑑賞の邪魔になら無いような作品鑑賞の道標になるtextも少し添えるように最近はしています。





これは、論理だけ言っていても駄目ですね、なのでこれから始めるひとつのシリーズを展覧会を催し見てもらおうと思っています。「Self-portraits of youngsters　幼き自画像たち」　と題して取り組んでみようと思います。僕は今まで正式に自画像を作品として発表したことが無くて、とっても新鮮な気分です。元ネタはこれらの写真です。母親が昔僕を撮った白黒写真です。カメラが庶民の手の届くメカになった時代なのでしょう、結構おもしろい写真が残ってるので使いたいと思いました。伊勢うどんのPRに私用した流れもあります。展示はネオ・ウメダでと考えています。11月末くらいの予定です、よろしくどうぞ。


アートとともに

絵を好きで始めて、優れた絵画とは何かという思いで制作し、そんな絵画とはどんな技術を要してどのように出来上がり、そしてそれらが社会や時代とどのような均衡をもって成立出来るのかを模索し絵と生活をともにしてきました。考えて描いて実践することで身体で感じてきたようなものです。しかし、優れた絵画の時代は終わってました。ダ・ビンチはあの時代が生んだ天才で、今の時代ではそれを讃えることしか出来ない。いや優れた絵画という意味合いが変わってきたということ。技術が優れてるだけじゃ詰まらないのが現代における絵画です。芸術は昔も今も今後も変わらずに、彷徨い続ける人間の生んだゲームです。

有名作家の成り立ちも様々で、経済は別にしても皆さんおしなべて綱渡りな人生。これは画家に限らず人間は皆そうかも。僕は自分で自分の場所をkeepして、keepする場所が無ければ作り上げて生きていかないと、今までバカながらにやってきたことが無に帰してしまう。それもよしで自然だが、まだまだやり足りないことが沢山ある。インチキ作家か非か？僕にとっての矜持や尊厳の部分だから、ここは他人任せに出来ません。自分で決めてやっていこうと思うんです。しかし頑なになっては駄目で、時々自分のことも疑いながらやっていこうと思っています。

思えば中世の昔から、画家と宗教、画家と商人・富豪のパトロン、画家とサロンに集うブルジョアを経て、飼い犬として飼育されながら絵を描いてきた犬がその環境から逃走し独り立ちした。しかし絵しか描けない犬はメシが食えず切迫する。それでも描き続け精根尽きはて死んでいく、そこには絵だけが残る。悪役プロデュサーがそれを見つけ世に売り出す、そこにたっぷり売るための物語りを乗っけることを忘れはしない。世間は賞賛し、大枚叩いて絵と言うものを証拠品としてそのストーリーを買う。いや大枚叩いてそのゲームに勝ち名乗りを上げるのである。以上もまた今でも続く芸術のひとつの側面です。人間の生み出したゲームに終わりは無い、争いごとにしても。

そんなゲームの話しが海を渡る。死んでしまってから賞賛された画家伝説の始まりだ。日本人は何かに殉ずるのが大好きな民族だ、この話しは美談であり美学になる。まわりに振り回されず、組織に属さないという孤独は人を疑い深くさせる。これはいい意味防衛本能でもある。まわりに合わせてばかりいると、僕みたいな生き方してると消えてなくなるに違いない。生き残らなければならないと思う。しかし悪あがきをして醜く生き残ってもしようがない。やることはしっかりやろうと思う。作品は僕が死んでも、ゴミにならずに生き残っていく作品を作らないととここに来て改めて思う。そのためには現代美術を見て見ぬ振りをすることは出来ない。怖いものから逃げれば逃げるほど怖くなる、逆にその懐に飛び込む方がいい。

先日も友人に、タケシさん最近のブログ、自身の死を見つめてるように感じる……なんて言われた。ご心配なく、僕はただ、芸術なんて志して、昨年で50歳になって、このまんま周りとのバランスだけとって、かわいい爺さんになる前に、しっかりと自分のやってきたことを見極め整頓して、仕上げに入っていかないといけない時期かもしれぬと思うから。もちろん今何かで死んでしまってもこれはしようがないことだと思っている。ここでこういうこと言うのもなんだが、原発問題にしても原発のせいだなんていう前に、自業自得人間のせいだと思ってる。巻き添えにしてしまう牛や豚や自然界のあらゆる生命にお詫びをしたい気持ちで一杯だ。次世代を生き残らないとならない息子などの世代などにも、僕のことを少しだけでも書き記しておこうとも考えた。例えば、息子に芸術に進んでもらいたい気持ちは無い。彼ら自身がしびれる人生を自分で作り上げてほしいと思っている。それは日本という国の財産にもなるに違いないし、僕が志した「芸術」というものが、どういうものなのかを、彼らなりに理解出来る人間にはなってほしいとも思うのです。

今回でART? このアートって何だろうのシリーズもひとまず終了。お付き合いありがとうございました。ご意見やハテナ？などありましたら気軽にお尋ねください。作家の名前やその仕事などは皆さんが個人的に感じてもらわないとピンと来ないとも思いますから、今後は少しだけでも興味を持って現代美術に接してほしいと思います。

今後も、随時制作した仕事について書き記したり、展覧会のお知らせなどもさせてもらいます。それでは、また Have a nice day.

アートのルールについて

現代美術の誕生、歴史、現在と辿ってきましたが、いよいよその解釈のための処方箋を記していきたいと思います。アートを解るようになるためには、まずそのルールを感じてもらわないといけませんから、僕なりに説明してみます。その重要部分は、村上隆の著書に書かれてることです。それは、僕個人も今まで見たり感じたりしてきたことですが、彼の本を読んで眼からウロコが落ちました。そのとおりだ、こんなに鋭く解明しちゃうなんてと、脱帽した次第です。これは、作家だけでなく、芸術に興味を持つ全ての人が考えてみなければならないという思いで、僕がここに記すことにしました。

さて、アートが解らない根底には、この日本という現場が少々変であることにも起因してると前回も書きました。日本でいう芸術は、相当昔から「貧=芸術=正義」「自由=芸術」という神話が、皆さんの心にも根付いてはいないでしょうか？「変」ですよねこれ、ギャグならば山下清、シリアスならば村山槐多などがその代表選手かもしれません。ファンの方はゴメンなさい、彼らを揶揄するつもりはありません。そして日本では内向的、私小説的な作品がもてはやされる嫌いがありますが、現代美術の現場においてそれらは共有事項にはなりませんからボツなわけです。

逆にアートの現場では、金銭を賭けるに足る物語が無ければ、芸術作品は売れず。そんな現代美術の市場で売れないものはまた評価もされません（村上）。西洋的と言ってしまえばそれまでですが、芸術もまた市場とともに無ければ存続出来ないわけですから、全ての商いのごとく至極当然なお話でしょう。

そして次世代を担う芸術予備軍を輩出すべき学園はどうか？芸大や専門学校の生徒は、学園という企業のお客さんで、卒業後に芸術の現場に直結することは稀、せいぜい講師や教授に職を得られればラッキーな堂々巡り。学園内のサーキュレーションで、そこから飛び出て活躍出来る作家を上手く輩出できない現状があると、僕も横目で思うんです。まあ、これはまたの機会に、本題のアートの鑑賞法とルールのお話を。

�@　まずアートの鑑賞法、それは「文脈」を読む事です。「文脈」は英語で context つまり、ある事柄の背景や周辺の状況のことです。ここが、アート鑑賞のツボです。

ART? _07でも村上作品を例題に記しましたが、その付け足しをすれば、欧米で日本の絵画と言えば北斎や歌麿などの浮世絵が広く日本の伝統芸術だということで知られていました。彼はそういう西洋人の見識を逆手に取って、自分のアニメな作品に擦り込み表現して彼らに提示したのです。



My Lonesome Cowboy 1998　村上隆


この大きなフィギュアーのペニスから噴出する精子を、北斎の富士山の前に逆巻く波柱（残念ながら図版が無し、有名なアレね）とのアナロジーとして鑑賞してみましょう。そうすると日本芸術の過去の名作波柱と、このスプラッシュ精液が繋がって、村上作品の文脈の表現が出来上がったわけです。それは、歴史も踏まえ、新たな考え方をアニメやお宅キャラを通し表現し、今まで無かった日本的表現を造形し、新たな価値の現代美術に変換したのです。だた作品だけ開場にポンと置いただけでは何のことやら解りませんが、彼は翻訳者を雇い自分の作品について日本の古典芸術から歴史説明を施し、評論家まで巻込んでTEXTとともに鑑賞させる戦略を打ったのです。作品の意図が見事に鑑賞者に伝わり、西洋人も参りました。日本人にも、オレたちのアートのルールを解してこんなおもしろい芸当をやるやつがいたんだと。

アートは何でも無いものをダイヤモンドだと表現し提案したりもします。そんな錬金術です。それをするのがアーティストというプレーヤーです。そして、アートはそんな捏造ぶりを讃えるゲームで、結果それらを大枚叩いて所有して自らを誇るのがコレクター、大金持ちのゲームが現代美術の一線なのです。

もちろん村上作品だけでアートが出来てるわけはありません、特例です。それが平面の絵画なら、構図やどんな筆致や迫り方で画面が出来上がってるか、その作家のバックボーンや個性のきらめきは何か？完全な完成度の上に、文脈・コンテクストが加味されたものが現代美術です。

そしてアートのルール、西洋の現代美術のコンテクスト・文脈はこの五つで構成されています。
�@　自画像　�A　エロス　�B　死　�C　歴史　�D　時事

これらを、バラバラでも自身の表現に落とし込んで作品として見せることが、現代美術のルールと言えると思います。皆さんも美術鑑賞の際には、おっこれは自画像、こっちはエロスなんて風に見ていけると思います。そんな時、現代美術の歴史を知っていれば知っているほど、おっここにデュシャンが下敷きにされてる。この作品はウオーホールの切り口かなんて見ることが出来ると、鑑賞と理解の楽しみが増すのです。だから欧米人は、現代美術館に頻繁に通いそこを学習しています。日本人も遅れを取ってはなりませんよ、今からでも学習しましょう。嫌いな作品もあるルールの元に鑑賞すると、その価値が違ってきて「おもしろいことやってくれるじゃん」なんてことになる。と、このシリーズの最初に書きましたが、こういうことです。

しかしルールとはいえ、それは破られるためのルールでもありますから柔軟に解釈しておきましょう。何しろ、アートは日々進化してる生き物ですから、ルールも書き換えられるのです。皆さんは、新たなOSを起動させ、このルールの上に自分を乗っけてサクサク走らせ、アートを楽しめばいいと思うんです。好きな作品にも、そうでも無い作品にも出会うだろうし、特別に作家を好きになったりすることもあるでしょう。



村上隆の著書2冊紹介します。興味のある方はこれも読まれるといいと思います。もちろん理解するための芸術やアートの歴史に関する予備知識も必要になってくるかもしれません。それが面倒な人のために、僕が簡略にここでこうして綴ってるわけですが。

さてここで一応終了でいいのですが、今後の僕の意思を次回もう一度だけ記したいと思います。僕の構想や意思表明みたいに最後に個人的なことを書きたいので、良ければもう一回お付き合い下さい。それでは、Have a nice weekend.

現代美術の最近と僕

2000年以降ソフィ・カル、杉本博司などの写真やオブジェと並行させたコンセプチュアルな方法での作家や、オタク文化をバックボーンにした作家が主流になど、一色に染まるような特別なムーブメントは無いものの、落ち着いたアート・シーンが展開されてる感じがしてる。 しかし僕自身自分のことや、好きな作家の近辺を中心の考察だから評論家めいたことなど言えないので、お断りしておきます。


ソフィ・カル
小説の主人公に本人がなりきるドキュメンタリーな彼女の作品。ダブルゲームと言う作品を本にしたり。


杉本博司
ジオラマシリーズ　NY自然史博物館のジオラマを写真を媒体とし作品化。骨董、建築、文楽、東西に巡る博学を持って作品を構成するその仕事ぶりは圧巻、僕も尊敬してます。

以下ある記事の抜粋です。
現地点2011年で、第一線において、ゲームの参加者（作家、評論家、収集家）は世界で50人もいないという。収集家の多くは金融長者に武器商人などの大金持ち、悪魔めいた心の壊れた人々。それが自分のコレクター、業界の主役は彼らで作家たちでは無い。桃山美術の主役が信長で、狩野永徳でないのと同じく。（村上隆・談）


村上隆　Tan Tan Bo 2001年作


Cherry 2005年作
これはルイビトンとコラボでバックとして商品化。今じゃなんでもないことの様に聞こえますが、ブランド品に逆にアートが乗っかるという、言わばウオーホールのキャンベルスープの逆の仕掛けが味噌だったみたいです。新機軸すぎてそんな本人の意図が市場ではうまく嵌まらなかったと著書に記されてます。　


Eye Love SUPERFLAT 2003-2006作

天皇に神道、京都や仏教や禅の文化と対極としてのサブカルお宅文化にスポットを当てて世界に提示したのが村上作品です。日本の伝統芸術にサブカルお宅文化、何も繋がりが無いようですがとんでもない。外国から見たら直結してるんです、日本の文化と言うのはアニメやゆるキャラ、際どいロリコンまで含め総じてエキゾティックでエキセントリックなのです。村上はそこをつまみ上げて、西洋的なビジネス戦略も駆使して第一線で格闘をして勝ち上がったのです。彼のやらかすことはアートシーンの第一線で受けました、これぞ日本にしか無い日本特有の文化をベースにアートに仕立て上げたからです。

日本人の我々が、その作品を好きだろうがそうじゃなかろうが、そんなことは現代美術のてっぺんじゃどうでもいいことなのです。彼らの認める作品の価値と言うのは、ほらこんなふうに物事をもて遊んじゃうとおもしろいでしょ、そしてそういう作品を買う僕っておもしろいでしょ。これが、大枚叩くコレクターという人々だと村上は著書に書いています。僕にもこれはよく解ります、NYで遊んでるお金持ちはホントこういう人達なんです。人間らしくない人達とも言えるかな……まあ日本にもいますよ、骨董の蒐集家など。彼らにも通じるメンタリティーですね、金銭的規模の違いこそあれ。

まさしく価値観の捏造が現代美術の肝と言っても差し支えないと思います。生命って何だ、死とは何だ、人間は何故争うんだ、愛って何だ……もちろんこれらも現代美術が踏んでいかないとならないテーマです。しかしそれを正面から表現するだけじゃ芸がありませんよね、なのでアカデミズムから批判の対象にもなってしまうようなキワドさや振り幅を持ってるのもまたアートと言う毒であり薬であるのです。

先の村上隆・談もこんな話しをベースに考えてもらうと解りやすいと思います。上の話は現代美術界のてっぺんの話、彼はハイブロー・アートと定義しています。現代美術の第一線ですね。しかし当然のことながら、ここまで辿り着くことの無いアーティストが世界中に存在し、爪を研いでもいます。現代美術など関係無く自分の意志の赴くままにだだ好きな作品を作っている作家もいます。もちろんこういう人の中からも第一線のスターが生まれたりしますが、これは偶然で時代やギャラリストが生み出したものでもあります。地下鉄の落書き描いてたキース・ヘリングやバスキアなどがそれでしょう。プロデューサーとアイドル歌手みたいな関係ですね。

上に記した現代美術のてっぺんハイブロー・アートとは趣旨を異にして、日本に限らず世界中で、とにかくありとあらゆる人々が、アートという名目でそれぞれに違うルールで同じゲーム（中身は全然違うにもかかわらず）をやっているようなものです。ですから、鑑賞する側は、アートは何が何だか解らないのです。これには付き合いきれません、ルールがないとゲームが楽しく進行しませんよね、なので僕自身はハイブロー・アートのルールをしてアートを鑑賞し、また自分の作品にも反映させる方法をとり始めて数年経過しました。実はサトナカ（その中身、文脈において）なども、そんなアタマで生まれたアートだと僕は思っています。市場では、プロダクト・デザインという着物を纏って振る舞ってはいるのが皆さんのサトナカですが、僕のサトナカは前者だということですね。

http://www.emelon.net/satonaka/index.html

あと日本の画壇、芸術界が超曲者であることに触れておかなければなりません。ひとこと「特殊」です、これは悪い意味です。芸術・アートは、鑑賞するものから転じて観念のゲームになった、と先に書きましたが、彼ら日本の画壇はこれを無視、見て見ぬ振りをしました。欧州の伝統や権威ばかりを崇め、新しさにはそっぽを向いたのです。

しかしとは言え、作家も自己実現に精進し制作を続け、後援者の支持も得られれば、それが生活の糧となり生き続けることができます。僕もまがいなりにも、どうにかそれをしてきたわけです。今日本は多くの困難に向き合い、その経済も生活も停滞している中で作家としてサバイバルしてくための方法は人それぞれでしょう。それが第一線じゃなくとも、好きなことを生活の糧にして生きていけるなら、鮨を愛する鮨屋さんと同意ですからね。どんな小さな市場だって、換金価値のあるもので生計を立てて生きていることに文句は言えません。

最初NYに渡った地点で僕が目指したのはアートであり現代美術であった。僕のいた80年代NYは、new painting ブーム、これは現代美術の流れの中では、「考える事は止めて本能の赴くままに描こう運動」なんていう時代、つまりモードがこれだった時代ということ。僕はその中で次の時代を創造したくてこのモードから外れたわけじゃなく、深く絵画を考えてみたくて時代を逆行し古典絵画の技法を自分のスタイルとした。しかし結果、僕のやってきたことは、鑑賞するための絵画を作ってきたということだった。これは美術装飾品であって、日本では芸術と言うけれど、NYでいうアートや現代美術では無かったのです。

ただ僕としては、どんなにちっぽけであれ現代美術というものにファイティング・ポーズをとって、参戦の準備だけは整えておきたいとここ数年思っています。上がれるリングがあるのか、はたまた無いのかは解りませんが。思えば10年ほど前、京都で活動してた頃は現代美術は僕の意中にはありませんでした。しかし今までの僕の取り組みや、やってきたアートを巡る歴史をもう一度整理整頓し、必要だと思うものを磨き、不要なものを捨て去る行為の中で、この時代にこうして絵を描く以上は現代美術と対峙しないわけにはいかない思いで一杯なのです。このあたりの僕の意思表明は最後にまた記します。

そしてこの章の最後に、僕がここで何故にこうして長々と現代美術の100年に及ぶ歴史を語ってきたかと言えば、これらの過去と今後生まれくる作品が、すっと線でつながっていないものは第一線では現代美術やアートと呼ばれないと思うからなのです。例外はあるにせよ、歴史を踏まえて、それを遊びきらないとアートは生まれないよということなのです。

さて次回はこのシリーズの目玉とも言うべき、アートの鑑賞法と現代美術のルールに触れなければなりませんね。じゃないと、叱られそうですから。