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現代美術の誕生

先の第一部01-04まででは、絵画やアートにおける僕の個人史を簡単に書きました。ここからは、僕なんかよりも長く生き続けてる現代美術やアートについて記していきます。そうすることで、僕や皆さんや皆さんの好きな作家と擦り合わせてみてください。それで時代や作家や作品たちの背景に歴史などを感じてもらえれば意義のあることだと思います。アートや芸術は、作家や画廊だけでなく、鑑賞者にコレクター、そして時代までもがプレーヤーで絡み合う、人間の知性や感性や個性を競う大きなゲームなのです。

それでは、始めましょう。

欧米のアート、現代美術が大きく動き始めたのが第一次世界大戦前1910年頃。ピカソやブラックのキュビズム旋風、そしてそれまでの芸術のメッカはパリ。しかしその後40-50年間の欧州の戦渦などもあって、現代芸術の現場がパリからニューヨークに移行していくのです。理由は様々で、それらを隅々まで記すのは退屈でしょう、中世以来長い歴史の中で育まれた欧州芸術ですが、やっぱりそれはそれで不自由だった部分もあったと想像します。ブルジョアの集うサロンの道具として競われていた芸術なんて題材からして退屈です。そしてそんな中のこと、この男 Marcel Duchamp 登場です。



この作品が公募展（NYだったと記憶してます？）に出品されたのです。当然のごとく審査には落ちました、審査すらされなかった。でもこれで、芸術が変わっちゃったわけです。

キャンバスに筆と絵の具で描くものであった絵画という芸術の主流、前衛の巨匠なんて言われてるピカソやマチスでさえぶっ飛んじゃったんです。この小便器が、どういうこと？

R.Mutt（リチャード・マット） 1917 とあります、これは作者のサインです。偽名で出品したのです、Marcel Duchamp マルセル・デュシャンという男の仕業だったのです。作品タイトルは「Fountain・泉」噴水とも意訳してもいいでしょう。彼は常々周囲の画家に言っていました「芸術、芸術って絵の具に筆使ってキャンバスに描くほどのモノなんてあるのかい？」それを、ホントに実行しちゃったのです。日常の生活の中にあるオブジェ・ものなんだけれど、気付かない造形美を作品化して見せる Ready made という芸術媒体をデュシャンが確立したということでもあるのです。新たなルールのゲームを作っちゃったわけです、絵の具も絵筆も入らないと言うことはこういうことでもあるのです。

そして、これによって芸術というアカデミズムにオシッコをヒリかけちゃったわけです。ピカソやセザンヌ、それを持ち上げてきた権威や芸術社会をひっくり返しちゃったのです。痛快極まりない、これぞアートの醍醐味、ロックンロールな魂です。しかし当のデュシャンはこんな感じ、マネーも無くパトロン相手にフランス語を教え、遊び暮らし、たまに女装作品などでおどけてみたり。その頃彼は自国フランス・パリの腐った画壇に嫌気がさし渡米し、NYで自由気ままにやっていたのです。その後はアメリカ人として帰化しました。



そして繰り返しますが、ここから芸術・アートは、鑑賞するものから転じて観念のゲームになったのです。
ズバリ現代美術とは「戦後の米英の美術です」（村上隆）。そして、日本人はこれが理解出来ないのです。芸術やアートは、何でもありと思っているのがほとんどの日本人なんですが、そこには法則や方程式のような西洋人が作ったルールがあるのです。ここが日本では争点になるのです、芸術とアート、言葉の定義などしてもそう。しかし、英米人は現代美術を知っています、彼らが作った彼らのゲームだからです。ここは他人からいくら言われても相容れないポイント、それを認めてしまうと自分の積んで来たものが消滅してしまうこともあります。作家の僕ですから、この肝の部分を消化して自分のものにするのには正直辛いものがありました。これは、作る側も見る側も、心しておく価値があると思います、皆さんもよく自分の胸に手をあて考えてみてください。芸術は、ただただ自由や爆発であればいいというものではないということなのです。

よく岡本太郎はどうなんだ？彼に限らず、いろんな日本人作家が出てくると思います。僕がここでそれを定義してもしようがないと思います。ただ欧米のマーケットに上がらず日本にだけ閉じこもった評価の場合、欧米人は現代美術作家とは認めないと思います。だからあちらのオークション・ハウスにも登場しないのでしょう。結論は、皆さん自身で出してほしいと思います。

話しは第一次世界大戦後に戻ります。デュシャンの便器で芸術が、現代美術やアートに脱皮したと言っていいかもしれません。そして、ダダイズム（1919-）その後シュールレアリズム（1930-）という芸術運動になっていきます。このくだりは、次回に続く。

夏祭り、GHOSTSと終わり、EPSも少々お疲れモードです。8/27（土）EPS recommend　僕たちスタッフのお勧めや、サウンドファンのお客さんのお気に入りを集めて、気張らずに気軽に行ないたいと思います。

例えば、僕が80'sにNYで聞いていたレコードやCDなどを持ち込んで、そのグラフィックや背景などについて歓談するような場とか。僕に限らずサウンドやグラフィックについて、年代やジャンルを問わずに、昔こんなの今はこんなのが好きと言うような、友達同士の情報交換で気軽なディスカッションの場を持てればいいと思っています。

http://www.emelon.net/eps/index.html



ちなみにこの写真のrecordは、80'sにNYの中古レコード屋で何気にジャケ買いしたHip popで、ジャケットはジャン・ミッシェル・バスキア作。サウンドも当時のNYダウンタウンそのものでスリリングで気に入ってます。Rammelzee vs K.robってミュージシャン。僕はHip popに疎く、あまり知りませんが、何と初回プレスであれば＄1.000で取引される名盤とのこと？

他にもいろいろ。まあこんな切り口でもって、皆さんとサウンドやそれらを取り巻くものについて時間を共有したいと思います。どうぞ、遊びに来てください。

伊勢にて

2004年以降、まるで霧の中を彷徨うような制作が続いた。不安もあったが、現代美術を意識しだした。これだと思える手応えのあるものは出来上がらず。しかし、腐らずに考え、それをカタチにすることをやり続けた。名古屋で個展をしたりもした。44歳になっていた、自分がここまでまがいなりにやって来れたのは、周りの人々の支援と、小さいけれど僕のやってきた仕事が人々に届いたからだ。古典絵画に属するような作品はアイディアだけじゃなくスキルで出来上がっている。これらは、自分の個性でもあるからやっぱり味方に付けておいて、プラス新しい仕掛けを考えることで、古典的な表現方法から、現代美術に仕上げて行くことを謀ろうと考えた。


The Becoming Oil on canvas_2006　45.5x37.9cm


butterfly Oil on canvas_2007　53.0x33.4cm


stone Oil on canvas_2007　53.0x33.4cm




powder of sympathy Drawing ink on paper_2007　30.5x23.0cm


Etchings　2006 Ed 30　/ image size 10.0x8.0cm

絵画だけに捕らわれるのも止めにした。デザインまでも垣根無く意識してしまおう、自分の中で賞味期限のあるものは全て何処かしらでは繋がってるに違いない。肩書きや他人の認知の中だけで仕事せず、自分の信じることをやってたら何処かで誰かと繋がるだろう。それが、絵画、アート、デザインであれ、僕の持ってるただ絵画だけやってる画家には持ち合わせない僕の個性じゃないかと自分に問うた。画集を紐解くよりグラフィックデザイナーや、建築家の仕事の本を気ままに参照した。耳にする音楽すら様変わりした、古典技法で油彩を描いていた頃はバロックやオペラなどクラシックばかりだったのが、ノイズ系の毒っぽいインダストリアル・ロックなどをガンガンかけた。そんな音源のCDのアート・ディレクションがお気に入りのデザイナーの仕事だっりしたからだ。


nine inch nails のCD。David Carson というデザイナーの仕事。

当時辛かったのは、自分のそんな気持ちが上手く周りには伝わらなかったこと。今まで僕の作品を買い上げてくれていた僕の支持者は、変わらず今までの僕の作風の作品を求めていた。彼らにとって僕は裏切り者なのか？はたまた詐欺師か、画風が変わることは商いを変えるに等しいか。悩んだが、前に進むしかない。世話になった人々だから、丁寧に言葉を配して伝える努力をして、新たな作品やデザイングッズも実際に見せた。しかし、ほとんどの場合、何だコレはと思ったに違いない。今までの作品は、あまりにも絵画であって、それは解りやすいモノだった。そして新作絵画にしても何かを語るチカラに欠けていたと思う。でも蜜月が終わるのも、世の常だと飲み込んだ。僕自身だって正念場だったのだ。

2006年1月　胸腺腫が見つかり、開胸オペにて摘出する。仕事じゃ無い部分でも考えさせられることになった。幸い悪性の腫瘍でなく現在も以前と変わらず元気に過ごせている。改めて「病、老化、死よりも、今ここにこうして生きていることの不思議」を想った。検査、DR.との話し合い、入院＆手術、退院を2ヶ月と少しで終えた。それは、今まで知らなかったし、もちろん行ったことの無い場所を旅して来た気分だった。その後は、皆に将来必ず訪れる死についても、自然に受け入れられる気がしている。


術後ひと月くらい、今はもうほとんど傷跡は見えない。

胸骨にワイヤーが5本、旅のスーベニア。

絵画を主に扱うのがほとんどだった僕の時間が、このあたりからまた変化し始める。伊勢に関わるEMELONのササササササササササ中、ボロ家 NEO UMEDAリノベーションなどで、少し芸術やアートから距離を置き客観視するようになった。しかし、そんないろんな時間も僕のアートに直結してると思う。NEO UMEDA　このプロジェクトには実質2年を費やした、この間はアタマが絵の方に向かなかったが、しかし家というでかく手強い代物と向き合うことで、何かスッキリした。ボロ家は、自分に課したでかい教材だった。大きかろうが、何だろうが、取り組めば、なるようにはなるじゃないか。事実でかい油彩を描くことを厭わなくなった、軽い気分で取り組めるようになったということだ。以前は、描く前から構えてしまっていた。そうなんだ　NEO UMEDA　ってでかい作品に取り組んでカタチにしたんだ、現代美術かなんだろうが、どうにかしてやるさと思えるようになったのだ。



http://www.youtube.com/watch?v=2J3p_D22yk4

http://takeshinakatani.jp/umeda/index.html

昨年から水墨画も描いている。日本的な森羅万象を表現するとき、西洋の油彩というメディアでは表現しきれない部分を水墨というメディアではやってのけることが出来るからだ。水墨は不思議だ、構築によって完成させる西洋の表現と違い、出来る限り余計なことをしないことでモノや自然の本質に迫ってくる。まさに神道や禅のような世界だ。


曾我蕭白　写し　2010年作　水墨

年齢もあると思う。若いうちは、自分が何でもやれて必ずどうにかなるなんて奢りがあるものだ。しかし、出来ることと出来ないことの繰り返しで、実際の自分が出来上がる。ここからが勝負だと今は思っている。

さて4回連ねて、僕のこれまでを記しました。人生も仕事も、そこそこ長く続けて来ると、途中行方不明になることがあるものです。同じ稼業を変わらずコツコツと続けるのが日本のスタンダードで、僕などは古くさい画家というレッテルが嫌いな分、自分で行方不明になってしまうのです。とは言え、ここまで書いたからには、僕はココにこうしてやってるぞという声明文でもあるのです。

ここまでを第一部として、以後第二部では、少し具体的に今までの僕の話しをベースに、現代美術について、そして僕自身の今後の仕事について記していきたいと思います。内容を整理し構成を整えるのにしばらく中休みを頂きますが、もう数回お付き合いを願えると嬉しいです。

では皆様、いい週末をお過ごしあれ。

今宵は珠家にて GHOSTS を催します。夏の恒例、どうぞ遊びに来てください。

http://www.emelon.net/eps/lineup/index.html
http://www.emelon.net/tamaya/index.html

素敵な夏の休暇を

日本、そして京都

1992年3月、8年間過ごしたNYをあとにして帰国。以後、伊勢に暮らす。描くという技術拾得の職人の様な日々を続けた、それと中世の西洋美術関連の本をとにかく読んだ。
伊勢でも個展を開いたりすることで、周りに後援者が少し増えてどうにか経済は成り立った。年に一度ヨーロッパに絵を見に出向いたり、NYにかつての仲間を訪ねたりの外遊の時代は続いた。今思うと優雅なもんだ。


ペトリス・クリスチュース　15世紀ベルギーの画家　絵はベルリンにあり


ブロンティーノ　16世紀　イタリーの画家　作品の多くはフィレンツェにあり

東京銀座にある自分のような作品を扱う画廊に売り込みにも出かけた。3回ほど出向いたが、評判は悪く無かったものの個展開催は実現しなかった。絵なんて物品だし、伊勢と東京では埋まらない距離感があった。人間関係においても遠距離プロポーズを東京の画廊に対してしたようなものだ。
90年代半ばには、京都に頻繁に出向いていた。お気に入りの洋書や古書を扱う店があったから、そのひとつの美術系古書店A書房で作品を見せたら、K画廊を紹介してくれた。半年後にそこで個展を開催。引き続きA書房でも2回個展を開いた。以下、その頃の僕の作品


雲雀　2000年

Bonne fleur　2001年

Cafe Redon　2001年

亀男爵　2001年

Primavera　2002年

Daughter　2003年

2000年から2003年頃のこと。そのA書房は有名作家の限定本なども出版し、出版関係者も多く通う店だから、きっと何かのメリットが僕にもあるんじゃないかと考えた背景があった。僕もA書房主人も、沢山描いて画集を出版するぞが、スローガンの数年間だった。当時画家にとって、ちゃんとした出版社から画集を出してることは、世間が認めた画家のための通行手形のようなものだった。この書店の扱うものは、所謂幻想文学系の美術作品で、日本なら澁澤龍彦（作家）金子国義（画家）などを求めに来る顧客が中心で80-90年代は、かなりの人気店だった。僕も帰国後、そんな顧客の一人だったのだ。

しかし、この京都での数年間が、再び僕のアートや芸術に対する考えを切り替えるためのスイッチになったのである。

伊勢と京都の行き来は、まさにホームとアウエィの繰り返しの中、僕は画集出版の夢に向けて描き続けた。同じような作風の絵が70-100点無いと一冊の画集にならないと聞かされていたからだ。日本でいう画集を想像されたし、楽曲で言えばサビのオンパレードのような紙面構成。僕は、30-40点と描き進めるうちに、これでいいのか？と考える様になっていた。A書房の顧客とも通じるうちに「この人々は過去を求めるためだけに、ここにやって来てるな」「こういう人々に届ける絵を描かないといけないのか？」と悩んだ。

2003年晩秋、個展終了と同時に「こういう人達と共に創る未来は無い」と判断し、同じ作風の絵を描くのを止めにした。これは43歳の僕にはリスクでもあった、環境や自分のステージを変えるということは、またしても自分が変わらないとならないからだ。でも自分はやっぱりまた新たな森に彷徨い込む方を選んだ。

そしてインターネットの普及もあってか、本屋という現場には厳しい時代になっていた。A書房の顧客も減っていたし、若い人の購買力は低く、本を買わなくなっているのが解った。万が一、画集が出版されても売れなかったんじゃないか。今になっては、この時代のサイクルの早さの中で、画集の効力がどれほどのモノなのかなんて思う時もある。売れっ子作家でも無いかぎり、次から次に新作を盛り込んだ本の出版なんて不可能だろう。

時代をさかのぼりヨーロッパの中世まで行ったものの、また僕は懲りずにその歩いた道を引き返した。躊躇もあった今まで築いた自分のスタイル。でも客観視すれば流派の中でのスタイルで、好きだった画家やヨーロッパの文化に追従してただけである。追従者は流派に埋没していくだけだと腹を決めて、さっさとここからずらかろうと思った。
僕をバックアップしてくれたA書房の主人には、想いを話したような話さないような、彼にも築いた流儀があるだろうし。そしてその後ほとんど京都に行かなくなった僕だが、行くと必ず主人を訪ね、フラットな世間話をしながらビールを飲みに立ち寄る。彼のことは尊敬してる、僕のちっぽけな才能につきあってくれたとってもチャーミングな人だから。

このころ私生活でも、少なからず援助してくれてた母の会社が倒産したりの問題続きだった。自分は、めげずに新しい表現のスタイルを模索した。人間ばかり描くのも止めた、フォーマットを壊したり、表現を崩していくことで自分の考えを整理整頓し始めた。たまたま大きな絵が売れ、ちょっと無理して、2004年20年前に始めて訪れたNYも訪ねた。フィラデルフィアの現代美術館に Marcel Duchamp の作品を見に行くのが旅の目玉だった。好きだった現代美術の巨匠の爪の垢でも煎じて飲んでやろうと思ったのだ。以下、デュシャン2点


With Hidden Noise, 1916

Apolinere Enameled, 1917

帰国そして京都、この時代を思うと、一生懸命だったが、絵を描くという狭い了見だったと思う。年齢的にも画家としての名声や経済的自立に奔走した時期だった。周りに認められて始めて前に進めるということは何事にも前提だ。しかし、その前にまず自分が自分を認めてから、外に問わないといけないなと改めて思った。自分をどう全うするかということだ。