ノンジャンルスタイル−音楽の追想と発見−

ボ・ガンボスの「魚ごっこ」みたいに、魚になりたい今日この頃という事でフィッシュマンズです。

以下のリンクは、ほぼ日刊イトイ新聞で、「夏休み」というライターの文章を抜粋したものですが、なかなか心の琴線に触れます。（ele-kingからの抜粋？）

http://www.1101.com/fishmans/

以下、抜粋

----------------

生きているということはただそれだけで悲しいこと。
人間はひとりでは生きていけないという事実は、
もしかしたら人間は
意味もなく互いに殺し合うという現実よりも
キツいことなのかもしれないと。
僕は、そんな気分にはなりたくなかった。
フィッシュマンズの音楽を聴いて、
それを言ったらおしまいじゃないかと、
僕の友人はかつて言ったことがあるけれど、
それに対する僕の反論がいま頃になって
宙に浮いているような気がしてきた。
そうかもしれない。

人間は、人間を好きなのか嫌いなのか。
よく分からない。
せっせと、自分と同じ姿をした人間を殺す準備をしたり、
実際に殺したりしているけれど、
それは違う人間への愛のためだと思ったりもできる。

自分自身についても、
自己愛と自己嫌悪の間を行ったり来たりしている。
身近な他人も愛したり罵ったり、近づいたり避けたりしていて、
「私は（すべての）《人間》が好きだ」と言えば、
思いやりのある小さな嘘でもいってしまったような気分になるし、
だからと言って、うつむきがちに
「人間嫌い」なんて言うのは
自己愛者の気どりみたいに思えたりする。

わたしをいちばん傷つけるのは人間で、
この世でいちばんの幸せを感じさせてくれるのも、
思い出してみれば、やぱり人間ばかりだ。
いったい人間は、人間を好きなのか嫌いなのか。
いったいわたしは？
そしていったいフィッシュマンズは？

ｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰｰ

個人的に、今聴くと過去の恋愛等を想い出される普遍的な歌詞がメインだと思うのですが、ただそれだけじゃなくて人間や生き方に対しても考えさせられるんですね。
この辺は、ほぼ日のリンク先、出来れば関連の書籍を読むとより分かるかもしれません。

フィッシュマンズは、日本語の歌詞の良さや、洋楽と一味違うオリジナルな音楽性、、佐藤伸治の唯一無二の存在感、、最高のバンドでした。
この頃くらいかな、邦楽のオーバーグラウンドとしてのロックの水準が高くなってきたのは。
スーパーカー、ナンバーガール、ゆらゆら帝国、くるり、、懐かしい。。
洋楽だけがロックじゃない！　音楽に国境なんて無いのです！

でも、洋楽ばかり聴く事が多いんですよねｗ

以下、フィッシュマンズのようつべ

なんと、LONG SEASON を　フルで ライブで観れますが、すぐ消されるかもしれないので聴くのだったら今のうちかも。

LONG SEASON 1 2 3 4 5

http://jp.youtube.com/watch?v=o7RHUDkcjuA

http://jp.youtube.com/watch?v=W1oIykKwWDc

http://jp.youtube.com/watch?v=utjlqN1TFgE

http://jp.youtube.com/watch?v=z9OMQ4DVy0s

http://jp.youtube.com/watch?v=jaK94XIoBPI

頼りない天使

http://jp.youtube.com/watch?v=YZ_aPr-6KAs

ナイトクルージング

http://jp.youtube.com/watch?v=RB-jNaRWPkk

「情報は知識ではない。知識は賢さではない。賢さは真実とは違う。真実と愛は違う。そして愛は音楽ではない。

音楽が一番だ。」

というのはフランク・ザッパの台詞です。
この人の事について詳しく語れる知識も無いので、レビューなど詳細は以下リンクを辿った方が良いでしょう。

http://www12.big.or.jp/~ucchi/zappadat/zappa.html



Weasels Ripped My Fresh (1970)
Over-Nite Sensation (1973)
Apostrophe(') (1974)

定番とも言える上の３枚とベスト盤は一応、所持してます。（あんまり聞いてなかったりもするんですが（汗

以前、ザッパ・フリークの友人に、いきなり何十枚もの大量のアルバムを借りて聴くのはしんどいので、初心者が聴くのに適した５枚を選んで貰ったんですね。

以下をリッピングして聴いています。

Lumpy Gravy (1968)
Burnt Weeny Sandwich (1969)
One Size Fits All (1975)
Studio Tan (1978)
You Are What You Is (1981)

ザッパを聴く上で重要な馬鹿馬鹿しさも考慮して貰いました。

ザッパの歌は、人を救うのか？　生きる力になるのか？　と問うたところ、
寧ろ人をどん底に突き落とし、こき下ろすような歌ばかり歌ってると言ってました。
でも私は、ザッパの諧謔的なユーモアのある歌詞にブルースと同じくどん底の人間を救うところがあると思うなぁ。
まぁ、本当は同じような事を言いたかったのかもしれませんが。

聴いていった感じで、今は「Studio Tan」辺りがいいなぁと。
でも、滅多に聴かないｗ

真のアヴァンギャルドで非商業主義な音楽は、その芸術的な魂により時間の経過とともに存在感や輝きを増す事もありますよね。

ブライアン・ウィルソンは、ビーチ・ボーイズのオリジナルメンバーで、ベースとキーボードを担当していた人。
ロック史上の傑作「ペット・サウンズ」は、ほとんどブライアン・ウィルソンのソロアルバムでした。



SMiLE(2004)
Brian Wilson（1988)
Imagination(1998)


私が聴いてるのは上の３枚だけど、やはり一番聴いているのは「SMiLE」。
ポップヒストリーの中で最も有名な未完成作品で、６７年５月に制作中止で終わっていたアルバムをブライアンウィルソン自らの手で長い年月を経て完成させたもの。

元々、ペット・サウンズの頃から、ブライアンウィルソンとビーチボーイズのメンバーの音楽性の方向が全然違っていたようです。
それで、そのときブライアンは、ヴァン・ダイク・パークスと出会い、共作で「SMiLE」を完成させようとしていたんですね。

ヴァン・ダイクのドラッギーな歌詞は、ビーチボーイズのメンバーから拒絶されていたけれど、ブライアンの制作意欲は全く衰えてなかったそうです。
しかし、ヴァンダイクパークスは軋轢とプレッシャーで激しい妄想に悩まされ精神不安定になっていたブライアンの元を去り、ソロ契約して「ソング・サイクル」をリリースしたようです。
ちなみに、「ソング・サイクル」は当時は評価されず、数千枚位しか売れなかったようです。
今はかなりの再評価ですね。

それで、経緯を書くと長いので省略しますが、なんやかんやあって３７年の歳月を経て
「SMiLE」を完成させたんですね。
この作品も聴いておきたかったロックの名盤の一つでした。

サウンド的には、「ペットサウンズ」より「ソングサイクル」になんとなく近い気がします。
アメリカン・ノスタルジア路線もそうですが、速い展開で曲が変わる手法なんかも近い感じがします。
よりコンセプトアルバムっぽくなってますね。
これはもう既に評価され尽くされている作品なんで、そんなに書くことが無いんですわ。
他の人の書いたレビュー読む方がよっぽど効率的だし。
声が全盛期では無いとか色々と批判もあるようですが聴けるだけ幸せです。

ブライアンウィルソンは、有名なのに少し通受けもする感じの独特の存在ですよね。
ちなみに、ビーチボーイズで一番好きなアルバムはスペクター色の強い「Today」辺り。

DJ ROLANDOは、UR軍団を代表するDJで、最近になって離脱したようです。
以前はデトロイトに住んでいたけど、今はスコットランドに住んでるそうです。


The Aztec Mystic Mix(1999)

Vibrations(2002)

私が聴いてるのが上の２枚。
最近になって、こちら２枚も密かにリイシューされていたようです。
元々、「GALAXY2 GALAXY」でURに２年前位に感銘を受け、UR関連を追ってみようと思いまして「JAGUAR」など代表作を探してみたんですが手に入りにくい。。
デトロイトテクノの入門用的な曲がレア盤とは･･･と、思いつつ探し回って何とかゲットしたものでした。
デトロイトテクノ関連の人達は基本売れないので、普段は工場勤務などして働きながら音楽活動をしている人も居るそうです。
なので、この手のジャンルは、アーティスト支援の為に積極的にＣＤやアナログを購入した方が良いですよね。


それで、最初にAztec Mysticを聴いてみたときは「JAGUAR」は文句なくカッコ良かったんですが、それ以降はハードエレクトロな展開で正直、耳に馴染みにくかったです。
この音のストイックな地味さや黒さは、２枚の灰色のジャケットそのものです。

「GALAXY 2 GALAXY」等のURの音は、テクノ聴く人なら聴いてる人も多く大好きな人も多いと思うんですが、こちらは少し聴く人によって好き嫌いが分かれる気がします。
DJ ROLANDOも手に入れた１年以上前から聴いてるけど、耳が慣れて良さが分かってきたような気が最近しないでもない感じ。
原曲からわりとアレンジされてるっぽいけど、この辺は全然分かんないんですよね。

AZTEC MYSTICの山場は、ファンキーな「FIREKEEPER」辺りからですかね。
名曲「STARDANCER」辺りからも地味にテンションが上がります。
「SOUL POWER」の元ネタはJBかなというのが分かる位で、基本的にサンプリングはあまり使われてないような印象です。

アルバムの選曲としては、URのベスト選曲とも言える「THE AZTEC MYSTEC MIX」が、良いですね。
ただ、かけっ放しにしておくには、「VIBRATIONS」の方も良いと思います。
太いベース音が鋭くリフトアップするところなんかはデトロイトフォロアーのケンイシイを彷彿させます。


どちらのアルバムもデトロイト特有の随所に表れるコズミックなシンセが好きです。
ハイライトにかけての曲の一部は、ロスヘルマノスのルーツ的にクラフトワークの影響なんかもありそうな感じもしました。

ＹＭＯが再々結成して、エレクトロニカなライブアルバムをいつの間に発売するらしい。
それに合わせて、細野晴臣のアンビエント期のアルバムもようやくリイシューされるのです。
１０年以来、手に入らなかったアルバムなのでようやくといったところ。
（個人的にはトロピカル三部作やティンパンアレーの頃のアーシーな細野の方が好きなんですけどね。）

それで、高橋幸宏なんですが、ＹＭＯでは、ファッション・ボーカル・リズムセクション等で重要なポジションなんですが、ソロは何故かほとんどスルーしていました。
サディスティック・ミカ・バンドは最近になって聴いたけれど。

高橋幸宏のソロと言えば、ＹＭＯの「ＢＧＭ」を踏襲した「Neuromantic」などが代表作らしいですが、私が聴いてるのは以下のアルバム。


音楽殺人(1980)
What, Me Worry?（1982）

「What, Me Worry?」は「ＢＧＭ」のＣＵＥ以降や「テクノデリック」の流れを踏襲してますね。
高橋幸宏を今まで正直、ちゃんと聴いてませんですいません。
この時期のニューウェイブのデジタルな冷たく鋭いビートはクールでなおかつポップでいいですね。
全体的にニューウェイブ期ＹＭＯと言った感じです。
ソリッドステイトサバイバー辺りと比べると、こちらの方がエッジが効いてるかなという感じもします。

因みに、昔はＹＭＯの作品で唯一嫌いなのが「浮気な僕ら」で１０年前位にどうも許せなくてアルバム売却しました。
それで、高橋幸宏の日本語ボーカル物は微妙だったんだけど、今だと自分のキャパが広くなったせいか、ボーカルも味のある感じもして意外と聴けるんですね。
このアルバムだと、ヒットはなるべく狙わずにいったのか、ほとんど英語の曲ですが。
ジョージ・ハリスンのカバーなども入ってるし、この人のルーツはやはりビートルズなどのブリティッシュ・ロックなのかなとも思いました。
「音楽殺人」なんかは特にポップでメロディアスでそういった傾向が強くて最高ですね。

細野晴臣　−　サザンロック（ニューオリンズ）〜カントリー・ハワイアン、アンビエントテクノ、ワールドミュージック（エキゾチック・サウンド）
坂本龍一　−　テクノ〜アバンギャルドポップ、ワールドミュージック、クラシック、アンビエント
高橋幸宏　−　ブリティッシュロック、プログレ、ニューウェイブ、その他

と大雑把にルーツとやってる事を纏めるとこんな感じの気がするけど、それぞれの分野で日本のトップミュージシャンが融合してＹＭＯというケミカルが誕生したのは、改めて感服する次第。
この時期のＹＭＯのソロメンバーの作品はどれも素晴らしいのばかりです。

Murdered By The Music
http://jp.youtube.com/watch?v=eMNYd4wPFKQ

It's Gonna Work Out
http://jp.youtube.com/watch?v=MEXiosaWjsM

The Real You & Are You Receiving Me?
http://jp.youtube.com/watch?v=2z2YTrLdXw0

デビッド・ボウイはイギリスを代表するロックスターですが、ロックスターの中では意外と聴いてない一人だったりします。
洋楽を聴き始めた頃に、「スペース・オデティ」や「ジギー・スターダスト」を聴いていたんだけど、その頃はカセットテープだったし・・・。


LOW(1977)
HEROS(1977)

それで、今の私が聴いてるのはベスト盤と、上記のアルバム。
「ＬＯＷ」は、デビットボウイのアルバムの中では最も再評価されたアルバムで、
ブライアン・イーノと共に作り上げた実験的作品。
曲の半分がインストメンタルで、早すぎたテクノ・サウンドとも言われてます。
ニューウェイブの先駆的サウンドという事で、ジャンルはニューウェイブにしました。
「LOW」〜「Lodger」までがベルリン３部作と言われてるらしい。


「アナザー・グリーン・ワールド」に感銘を受けたボウイが、イーノをパートナーに迎え、このアルバムでヨーロッパの陰鬱な世界を描き出しました。
ボウイはこの時期、クラフトワークやカンやノイなどのジャーマンロックにも大きな影響を受けていたようです。
ブラック・ミュージックにも勿論、影響を受けてますが。

そして、イーノの方は、ドナ・サマーの「I Feel Love」に感銘を受け、このサウンドが今後１５年制覇するだろうと予言していたとの事。
それどころか現在は、デリック・メイなどが未だにこの曲をクラブでかけまくってるらしいですからね。
｢LOW」では、３曲目にその影響が顕著になっているとの事です。

白眉は８曲目の「ワルシャワの幻想」ですね。
ナチス・ドイツにより蹂躙されたポーランドの悲劇の首都ワルシャワを描いた、シンセサイザーによる叙情表現が圧倒的な傑作曲。

Ａ面がファンキーで、Ｂ面が陰鬱なインストメンタルになっており、やはりこのアルバムの聴き所はＢ面の「ワルシャワの幻想」からの４曲ですね。

DR.JOHNはニューオリンズ出身のミュージシャン。
DR.JOHNという名前は、ニューオリンズに居たブードゥー教の司祭から命名したもの。


Dr. John's Gumbo(1972)
In The Right Place(1973)

私が聴いているのは、5枚目の「ガンボ」と6枚目のアルバムの「In The Right Place」。

「ガンボ」の方は、プロフェッサー・ロングヘアやヒューイ・ピアノ・スミスらニューオリンズの大御所のカバーが大部分になっていて、云わばニューオリンズ入門用とも言えます。

「In The Right Place」は、プロデュース、アレンジがアラン・トゥーサン、リズム・セクションはミーターズという濃密で鉄壁なサウンド。

レオ・ノセンテリのチキン・スクラッチ・ギター、ジョージ・ポーターのファンキーで重量感あるベース、アート・ネヴィルの地味ながらグルーヴに満ちたオルガン、ジョセフ・モデリステのセカンド・ライン・スタイルのドラム。
（あまり、メンバーについてはよく分かりませんが。。ｗ）

ミーターズの作り出すルーズ＆タイトなサウンド、エキゾチックなトゥーサンのアレンジ、粘っこい唯一無比なドクタージョンのボーカルが絡んで、快適なディキシーランド・スタイルになっています。

元々、ファンクという言葉はニューオリンズ固有のシンコペーションを多用した複合リズムのことを指すフォンクが語源となっている事。

ピーター・バラカン推薦盤で、白人のやっているニュー・オリンズファンクなんですが、個人的にはディスコ調ファンクより泥臭い感じが耳に残り印象が強いです。

P-FUNKやJBもサウンド的には、粘っこさや土臭さ、それと黒人特有の力強さが魅力的です。

そもそも、ファンキーという言葉が野暮ったいとか土俗的という意味を含む言葉なんで野暮ったさや土臭さというのも重要な要素の一つなんでしょうね。

http://jp.youtube.com/watch?v=Ct4sVVqeoUE

All That Blues(2004)

P-VINEから発売されたブルースの1世紀の歴史を収めた2枚組みのコンピレーションアルバム。
チャーリー・パットンやサン・ハウス（元宣教師）などのミシシッピ・デルタブルースを聴きたかったので、図書館から借りてきたもの。

1枚目、ジョニー・ウィンター等の最近の白人ブルースから始まってプロフェッサー・ロングヘアのニューオリンズ・セカンドラインファンク、ハウンドドックテイラーからＴボーン・ウォーカー等のモダンブルースなど過去に遡及していく選曲。

2枚目は、戦前のチャーリー・パットン等のデルタブルースから始まってブラインド・レモン・ジェファスンなどのテキサス・カントリー・ブルース、ライトニン・ホプキンス、そしてハウリン・ウルフ等のシカゴ・ブルースに繋がっていく選曲。

また、2枚目には映画「ブルース・ブラザーズ」でジョン・リー・フッカー本人が演奏していた「ブーン・ブーン」も入ってますね。

こうして、流れで聴いていく中ではデルタ・ブルース〜カントリー・ブルース辺りが面白い。
十字路（クロスロード）で、悪魔に魂を売るのと引き換えにギターの凄腕を手に入れたというロバート・ジョンスンの師匠の人たちの演奏は、意外とバラエティに富んでいる。
ノイズの向こう側に、ずっしりとした存在感のあるブルースの本質があるのです。
しかも、この時期のギター一本のブルースはダンス音楽でもあったというから驚きです。

ブルース自体は、シカゴ〜モダン・ブルースの方がアルバムを通して聴くなら、バラエティに富んでいて聴きやすいですね。

ブルースの魅力というのは、音だけでなく、たたずまい、笑顔などの豊かな表情、クソッタレを全部ぶつける力強さなんだと思います。
全体的に歌詞を読んでみても、大した事は歌ってない。

B・B・KINGの歌詞にしても

来る日も来る日もブルーな気分
来る日も来る日もブルーな気分
苦しいのさ　ベイビー　君を失いたくない

最初に同じフレーズを2回繰返すというのがブルースの基本らしい。
彼女に振られて、未練たらたらで、歌の最後にはまた違う女を捜してケロッとしてしまう。こんな愚痴ばっかりの歌詞です。しかし、全然暗くなく寧ろ力強い。

自分や人それぞれに置かれた辛い状況をブルースにしてみた事を想像してみる。
何だか不思議と自然に元気になってくるような気がします。

どうにもならない事をどうにもならないと認め、明日に進んでいく。
ネガティブと裏表にある、そんな究極のポジティブさ、それがブルースの本質なのです。

黒人霊歌などもカタルシスとしての信仰ではなく、現実からの逃避を明るい曲調で歌い
、それが独特のリズムを持つジャズなどに繋がっていった背景にも似ていますね。

ブルースの誕生として、まずは、西アフリカから奴隷として連れて来られた黒人達は、楽器や宗教なども取り上げられてしまいました。
そして、綿畑の農作業中に声を出し、誰かが歌い誰かがそれに応えるようになりました。
これが、”コール＆レスポンス”と呼ばれ、その後のブルースの演奏の基本になっていきます。
楽器が手に入らなければ、タライや洗濯板など身近なものから作り出し、たとえ辛い状況の中でも、歌いたい、弾きたい、という強い気持ちを動かしていった。
ここが、肌の色を越えて受け継がれてきたブルースの魅力なんですね。
仕事や辛い事が終わったら、音楽を楽しみたい。
これは、万人に共通する事なのですが、特にその気持ちが当時の黒人に強かったのだと思われます。

ジャズに於いても、ブルースやブルースフィーリングと言った言葉が使われます。
マイルス・デイヴィスみたいな上流階級に黒人奴隷の辛い状況の中でのブルース・フィーリングなんて分かるのか？とも思われますが、そういう階級の中でもやはり黒人差別やその他の辛い事が存在してその憂いを自己の中に探求し力強く表現したのがブルースフィーリングなのだということらしいです。
ジャズに置けるブルースを聴くときには、そういった精神性を意識する事によって聴こえ方が変わってくるんでしょうかね。

ブルースにおける解説は以下も参考になると思います。

http://allabout.co.jp/entertainment/jazz/closeup/CU20051205A/index.htm


SON HOUSE

http://jp.youtube.com/watch?v=8jN5vqEyV7g

http://jp.youtube.com/watch?v=QwjGytOVVQA

Hound Dog Taylor

http://jp.youtube.com/watch?v=KX9UG8rqRRQ

John Lee Hooker

http://jp.youtube.com/watch?v=2EHWujXubNM

Lightnin' Hopkins

http://jp.youtube.com/watch?v=RNDJF4azgog

http://jp.youtube.com/watch?v=d49m6G9vOrI

Professor Longhair

http://jp.youtube.com/watch?v=TMugCUDDxL0


Otis Rush

http://jp.youtube.com/watch?v=Uy2tEP3I3DM

James Cotton

http://jp.youtube.com/watch?v=jBeuco0PgJs

Blind Blake

http://jp.youtube.com/watch?v=O-lx07U6Rz0


Blind Lemon Jefferson

http://jp.youtube.com/watch?v=h3yd-c91ww8

Charlie Patton

http://jp.youtube.com/watch?v=yGsAh2jx6JA

http://jp.youtube.com/watch?v=5YTAR8VHEpo

オハイオ・プレイヤーズは、７０年代に活躍したファンクバンドです。
何でもオハイオファンクと呼ばれるサウンドらしい。
オハイオファンクと言われても、全然分からないけれどｗ

６０〜７０年代のＲ＆Ｂ、ソウルの分類で、タムラ・モータウン系、アトランティック系、メンフィス・スタックス系、ホットワックス・インヴィクタス系、フィラデルフィア系と別れてるようなんですが、この辺の流れと繋がりが全然分からないので詳しい人、解説求む。


FIRE(1974)

私が聴いてるのが上の一枚。
ファンク以前に７０年代屈指のソウルアルバムです。
とライナーに書かれてるものの、ややマイナーな気も。

まず聴いてみた感想。白眉は１曲目のファイアー。
ベースとドラムが見事にリズムを刻み、それに呼応してギターがリズムカッティングされ、文句のつけようのないファンクの名曲。
３曲目もカッティングとサックス、トランペットが効いてかなりファンク。
中毒になりそうです。

ファンクといっても、アルバム全体を聴くと歌を大事にしている事も分かります。
ゴスペルなどのルーツもきちんと受け継いでると思われます。
パーラメント辺りと比べると、洗練されて少し聴きやすい気もするけど、適度に洗練されて尚且つアーシーなので充分にファンキーでカッコイイ。

それにしても年によって、同じジャンルばかり偏って聴く事が多いけど、今年はブラックミュージックをルーツに時間やお金の厳しい制約の中で結構、聴いたんじゃないかと思う。

ロックにしても、黒人のブルースをルーツにして聴いていたので、より濃密なリズムセクションを好むようになってしまった。
なので、フリーのような英国のブルース・ロックより、ニューオリンズ系のＲ＆Ｂのリズム・セクションが凝っている音の方が今は好きですね。
この辺は、単にコード理論を元にしたブルーノートスケール等の問題では無く、ブルースフィーリング、アーティストとしてのブルースの精神性が重要だと思います。

でも、８０年代以降のブラックミュージックはまだそんなに聴いてないので、７０年代やそれ以前の黒人による偉大な音楽の歴史を改めて知りましたというところが今の現状。

http://jp.youtube.com/watch?v=VF25KEloF5g

http://jp.youtube.com/watch?v=T-pnmyfQ9BU

http://jp.youtube.com/watch?v=VVobCE7ikow

http://jp.youtube.com/watch?v=wrjdmZ0xajw

７０年代初期には、サザンロックムーブメントがあってその頃の音が大好きなんですが、どっちかというと、リトル・フィートなどのＲ＆Ｂやライクーダーのようなカオスなカントリー・ブルースや定番のザ・バンド辺りが好きなんですね。

それで、カントリーロックはリズムセクションが緩やかで繊細な感じなのであんまりピンと来なくて聴かなかった。
ザ・バーズやフライング・ブリトゥ・ブラザーズなんかもカントリー・ロックなんですがもっとコテコテのバンジョーやマンドリンを使ったカントリーを聞きたいという事で
NITTY GRITTY DIRT BAND です。


Uncle Charlie & His Dog Teddy（1970)

私が聴いてるのが上の一枚。
ハンク・ウィリアムス等も聞いてカントリーも少しは押さえたつもりですが、ホンキートンクなんて言葉もカントリーから来てるみたいですね。
（ホンキートンクとは、伝統的なカントリーの歌い方を示す。）
色々と黒人や白人のルーツ・ミュージックが混合されてるのが７０年代サザンロックの面白い所でこの辺の音楽の聞こえ方が大分変わってきたというのが最近、実感できています。

ヒルビリー・スタイルやブルー・グラス等、NGDBの音楽はルーツに拘っていて曲調もメロディアスすぎるというか、その辺がまた一つの良さでもあるらしい。
個人的にボーカルはもっと濃い感じの方が好みなんですけどね。

曲は今のところそれほど、ピンと来ないけど聴いていくうちに少しずつ良さも分かってくるでしょう。
でも、あまりカントリーを追いかけてないからなぁ。
図書館にかなりコアな戦前のカントリー置いてあったんだけど。
一応、これも名盤とされてます。

http://jp.youtube.com/watch?v=shmzfvgqFls

ニック・ドレイクはビルマ産まれのイギリス人フォークソンガー。
２６歳で鬱病か抗鬱剤の誤用が原因か何かで夭折したようです。


Pink Moon（1972年）

私が聴いてるのが上の一枚。

何となく生き方がエリオット・スミスに似てると思いました。
どちらも最後のアルバムが素晴らしかった。
夭折したミュージシャンの最後のアルバムには、「終わりかけた夏が最後にもう一度、力を取り戻し、短くなった日に凝り固まったように輝く」ような美しさがあると思います。
個人的には、エリオット・スミスの「Figure8」の方が好きなんですが。

こういう夭折したミュージシャンに魅力を感じる人も多いんじゃないかと思います。
ドラッグの過剰摂取で夭折したミュージシャンが多いというイメージもあるんですが、
実際はそればかりでも無いんですね。
その人の持ってる運命、人間としてマイナスなオーラの部分でも音楽ではそれが作品としてプラスに作用するのが芸術の観点として面白い。
その短い人生を生きた生き方が音楽と深いところで結びついてるが故に、いつまでも深く人々の記憶に刻み込まれるんですね。
私も、先が解らない儚い人生の中で音楽は出来るだけ後悔しないように聴いておきたい。
（音楽知識なんて、全然無いけど重要なのは気持ちなんです。）
そういえば、黒人のミュージシャンでも、オーティス・レディングとかサム・クック、ダニー・ハサウェイ等、夭折してるミュージシャンが多い。

逆に、想像がつくようなサウンドでずっとアルバムを出し続けてるアーティストについては個人的にあまり聞かない主義になってます。
一部を除いて、ネームバリューで売れてるような気がするベテランなロックがチャートを支配するのに違和感を感じるし、その辺を聴いてる時間が無いんですね。
思い入れのあるアーティストを応援してるファンの方には失礼で申し訳ないですが。

しかし、ニック・ドレイクのサウンドは、ベックもアコースティックアルバム辺り影響を受けて作成してるんかなぁ？

彼の遺体の横のレコード・プレイヤーにはバッハの「ブランデンブルク協奏曲」のレコードが載せられており、ボードレールの詩人などが好きだったとか。

かくいう私も詩を読むのが昔、好きでハイネ、リルケ、ヴェルレーヌ、ゲーテ、マラルメ、アポリネール、ランボー、その他などを読んでいた時期もありました。
（ちょっと気持ち悪いですけどねｗ）

基本的に、私はミュージシャンはメッセージを重要視して聴く事が多いです。
特に、本物のレジスタンス精神を感じる歌詞が聴きたい。
英語がよく分からない為、輸入盤より国内版の方が合理的で良いんですね。
和訳（意訳）も面倒だし。
歌詞が重要な音楽は、少々高くても国内版にする人も多いのかなと思ったりしました。

http://jp.youtube.com/watch?v=idcaRTg4-fM

http://jp.youtube.com/watch?v=1oitSlHi3MY

シカゴハウスとアシッドハウスはあまり聴いてないけれど、ルーツを追いかけないと気が済まない主義なので、とりあえずテクノの流れについて間違ってるかもしれませんが、触れておきます。

テクノのルーツが何なのかを定義付けるのは、ロックに較べると難しく面倒臭い感じなんですね。
テクノポップ、ジャーマンプログレ、デトロイトと色々あるんですが、人それぞれ意見が違うしねー。

とりあえず、デトロイトやシカゴの汗臭いニガー達はスティーブ・ライヒなどのミニマル・ミュージックなどは恐らく聴いていなかったらしいようです。
（とはいえ、マニュエル・ゲッチングなんかの影響は大きいですけどね。）
それで、ＹＭＯやクラフトワークはともかく、ミニマルの影響自体はサンプリングのループ等を実験的にやっていたヒップホップの影響の方がが大きい気がします。
ジェフ・ミルズもスティーブ・ライヒからの影響は否定してるらしい。
リスニングテクノ、エレクトロニカ、デトロイト系の場合は、ジャーマンロックやテクノポップの影響は否定できないですけどね。

1980年代になってからは、シーケンサやTB-303、TR-909などが格安で出回りアイディアさえあれば、貧乏な素人でもハウスの曲を制作できたとの事。
ハウスの名前の由来がゲイ向けのクラブバー、ウェアハウスから来ているものですが、そのウェアハウスでかかっていたものは、オーケストレイションを排したシンセ音、四つ打ちベースの呪術的で無機質な音楽だったよう。
（ウェアハウスは倉庫という意味でも使われますが）

で、そのシカゴハウスの連中の中で、D.J.PIERREがTB-303のツマミを動かす事で偶然に産まれたサウンドがアシッド（すなわちLSDの幻覚作用）を思わせる幻想的なサウンドであった為にこの名前がついたというわけ。

そのサウンドがイビザやロンドンに持ち込まれて、マンチェスターやセカンド・サマー・オブ・ラブに繋がっていったんですが、ここからが更に様々に分岐されて分かりにくいんですね。
しかし、この時期のニューオーダーやストーン・ローゼス、ハッピーマンデーズなんか最高に好きなんです。

D.J.PIERRE / BEST(1994)

私が聴いてるのが上のベストアルバム。
D.J.PIERREはシカゴ出身の黒人DJ。
デリック・メイやホアン・アトキンスとの交流も深いようです。
上記は、N.Y.アンダーグラウンドのレーベル、ストリクトリー・リズムのベスト盤。
彼の作品は、アフロ・アメリカンによるテクノ解釈とされるようです。

メロディーもサビもなく、カットオフ周波数が刻々と変化するベース音が延々と続くだけなんですが、聴いてるうちに時間感覚が麻痺してくるような感じです。
ただ、これルーツとして聴いているだけで、あまり回数は聴いてないんですね。
個人的に、お勧めできるクオリティだとも思えないし。

現在のフロア向けテクノやハウスのミニマルの主なルーツとしては、D.J.PIERRE等のシカゴハウス、アシッドハウスから来ているものも多いのでしょうかね。
ただ、その後のアシッドハウスやミニマルテクノにしても微妙なループの変化のさせ方やサウンドエフェクトで、大きく変化して洗練されていく過程が面白いわけですが。

http://jp.youtube.com/watch?v=argutHnQkF0

http://jp.youtube.com/watch?v=Hf6vzSso5-8

http://jp.youtube.com/watch?v=_sjihqwFqqg

http://jp.youtube.com/watch?v=S0NhbvL0HwM

http://jp.youtube.com/watch?v=LHmXNiIDc40

ムーディー・ブルースは、１９６４年にデビューしたイギリスのプログレッシブ・ロック・バンド。
ビートルズやストーンズなどと同期のロック黎明期に誕生した古参バンドの一つ。

１９６０年代にオーケストラとの競演で新しいロックのスタイルを築き上げ、
プログレシブ・ロックというジャンルを産み出した草分け的な存在らしい。
元祖プログレというところですか。


On The Threshold Of A Dream（1969）

私が聴いているのは、上の一枚。
最近、聴いたばかりなんですけどね。
音作りが凄く柔らかく欧州的な幻想的な美しさに満ちた作品になっている。
２曲目のブリティッシュでタイトな感じの曲もカッコ良い。
プログレではあるけれど、４大プログレほど展開が仰々しくも無いところも良いです。
しかし、この時代の音楽の世界観というか歌詞はとにかく難解であればカッコイイとされてましたよね。
私が産まれる前に発売されたアルバムなので、詳しくは述べられませんが。
しかし、昔良く聴いていたQUEENを何故か想い出す。


ケルト・ミュージックとかが強く関係してる気もしますが、
こういうしっとりと来る泣きの楽曲は、欧州のミュージシャンじゃなきゃ作れないんだよねぇ。
この辺はもう少し、再評価されても良いところかも。

かつてジミー・ペイジは「本当にプログレッシブなバンドは、ピンク・フロイドとムーディー・ブルースだけだ」と語っていたらしいです。

ちなみに、以下のYOUTUBEと違ってアルバム自体は凄く音が良く出来ています。

http://jp.youtube.com/watch?v=9muzyOd4Lh8

http://jp.youtube.com/watch?v=JjBvPHqO9KU

http://jp.youtube.com/watch?v=8dzRdyC0abA

シド・バレットは、ピンク・フロイドの設立メンバーの一人で、ピンク・フロイドの名付け親。
アメリカのブルースマン、ピンク・アンダーソンとフロイド・カウンシルの名前から来ているらしい。
ブライアン・ジョーンズと同じでやたらカルト視されていて、彼を崇拝しているミュージシャンも多い。
ピンク・フロイドの「夜明けの口笛吹き」は実質、シドの作品だったが、その後シドは精神不安定になり、ＬＳＤに傾倒しメンバーから脱退。



THE MADCAP LAUGHS(1970)

私が聴いてるのが、上の一枚。
プログレではなくて、サイケデリック・フォークなんですが。
サイケデリックなサウンドにサイケデリックな歌詞。サイケ三昧です。
わりとシンプルなサウンド構成ですが、ウネウネしていて不気味で気持ち良いんですね。
サウンド自体は明るいんですが、一歩踏み外すと全てが瓦解しそうな精神的な危うさも感じられるんですね。
デビット・ボウイも彼を崇拝していたようですが、初期のデビット・ボウイのサウンドに少しだけ似てる気もする。

ポスト・パンク周辺、TALKING HEADS、THE SLITS、THE POP GROUP辺りを最近、聴きなおしています。

ロバート・ワイアットもポストパンク的な音楽をやっていた時代もありました。
ワイアットは、元ソフトマシーンのドラマー兼ボーカリストで、カルト視されている人物。
ソフトマシーンがジャズ／フュージョンスタイルに傾倒していく中で、ワイアットが求める音楽性との乖離が原因で解雇されたようです。
ワイアットは、７９年にはイギリスの共産党に入党していたこともあるようで。
坂本龍一曰く「世界で一番悲しい声」だそうです。


Rock Bottom(1974)
Nothing Can Stop Us(1981)
cuckooland(2003)

私が聴いてるのは上記のアルバム。
「Nothing Can Stop Us」は、ロバート・ワイアットがポスト・パンクの時代に作ったアルバムで、政治的闘争の強いメッセージとゆるゆるなワールド・ミュージックを取り入れたサウンドが魅力的な一枚。

政治、戦争に関する歌詞が多く、ビリー・ホリデイの「Strange Fruit」や「Stalin Wasn't Stallin」のカバー等、ワールドワイドなメッセージ性が強いようです。

「Arauco」や「Caimanera」等のキューバの楽曲も取り入れてます。

80年代は、ポール・サイモンやピーター・ガブリエルなどワールドワイドな音楽が流行っていた時代ではあったんですが、ロバート・ワイアットはメッセージ性が特に強いイメージがあります。

ロバート・ワイアットを聴くと、音楽は、誰の為に、誰によって、どんな役割を果たすのかを考えさせられる。



また、
「Cuckooland」の方も、ジャズ、世界各地のあらゆる文化、政治、人間関係などから影響を受けています。
「Foreign Accents」という曲では、広島・長崎の事を歌にしています。
イスラエルの科学者でイスラエルが原子爆弾を生産している事を新聞に明かし秘密警察に誘拐されたモルデハイ・バヌヌの名前なんかも歌詞に残しています。

最高傑作は、ピンク・フロイドのドラマー、ニック・メイスンがプロデュースした「Rock Bottom」。

http://jp.youtube.com/watch?v=2cWq3mIp4cU

http://jp.youtube.com/watch?v=B6T9qp9XbRY